Oswaldo Guayasamín: biografia e obras - Ciência - 2023

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Oswaldo Guayasamin (1919-1999) é um dos mais importantes artistas da América Latina, cujas obras já foram expostas nas salas mais importantes do mundo. Sua arte tem um profundo sentimento indígena com uma postura ideológica e pictórica característica do continente americano: o realismo social.

Nascido em Quito e formado sob os tradicionais cânones da arte, Guayasamín rompeu com esses esquemas para capturar a realidade dos povos indígenas da América Latina que sofreram opressão, bem como os ataques da Colônia e da miscigenação.

Com um estilo expressionista, as criações deste artista equatoriano foram alimentadas por muralistas mexicanos em termos de expressividade, uso da cor e da força que transmitem, para deixar ao observador a sensação da energia vital do autor e, desta forma, faça seu protesto conhecido.

Além dessa essência indígena, sua obra também se caracteriza por se apropriar de tendências de vanguarda como o cubismo e o expressionismo, sem perder o realismo de mostrar a realidade da violência que denunciava.

Fez exposições impressionantes - mais de 200 individuais - nos museus mais importantes do mundo, como na França, Espanha, antiga União Soviética, Tchecoslováquia, Polônia, México, Chile e Argentina.

Guayasamín também é conhecido por fazer amizade com figuras de classe mundial, como o poeta Pablo Neruda, Fidel Castro, Gabriela Mistral, o rei Juan Carlos da Espanha, Gabriel García Márquez e Carolina de Mónaco, entre outros que retratou.

Em 1991, o governo do Equador reconheceu a prolífica obra do artista e sua contribuição para a arte mundial, razão pela qual decidiu criar a Fundação Guayasamín, à qual o pintor doou todas as suas coleções de criação e arte.

Biografia

Oswaldo Guayasamín nasceu em Quito em 6 de julho de 1919 e era o irmão mais velho em uma família de dez pessoas. Seu pai, José Miguel Guayasamín, era indígena da tribo quíchua; enquanto sua mãe, que atendia pelo nome de Dolores Calero, era mestiça.

Desde muito jovem, ele demonstrou seu amor pela pintura fazendo caricaturas de seus colegas de classe e fazendo cartazes para a loja que sua mãe dirigia. Além disso, pintou quadros em pedaços de papelão que vendia aos turistas para pagar os estudos.

Apesar da firme oposição de seu pai, o jovem Guayasamín matriculou-se na Escola de Belas Artes do Equador, na qual se formou pintor e escultor em 1941, recebendo também o reconhecimento de ser o melhor aluno de sua turma.

Apenas um ano após a formatura, conseguiu realizar sua primeira exposição na capital equatoriana. Esta exposição ficou marcada pelo seu caráter de denúncia social, o que causou grande rebuliço entre o público e a crítica da época.

Com esse estilo particular, o jovem Guayasamín conseguiu cativar Nelson Rockefeller, que lhe comprou vários quadros e o apoiou no seu futuro.

Internacionalização

Depois dessa polêmica exposição e com o apoio de Rockefeller, Guayasamín mudou-se para os Estados Unidos, onde também expôs suas pinturas. Durante os 7 meses de permanência, visitou todos os museus que pôde para entrar em contato direto com as obras de El Greco, Goya, Velásquez e dos muralistas mexicanos Diego Rivera e Orozco.

Com o dinheiro que conseguiu arrecadar, viajou ao México para conhecer um grande professor, o muralista Orozco, que, impactado por seu talento, permitiu que ele fosse seu assistente. Durante esta visita, também conheceu Diego Rivera e com os dois aprendeu a técnica da pintura ao ar livre. No México, ele fez amizade com Pablo Neruda.

Em 1945, ele fez uma viagem importante: do México à Patagônia. Nesta viagem, ele visitou cada cidade e cada vila para fazer anotações e desenhos do que foi sua primeira série de 103 pinturas chamadas Huacayñan, que em quíchua significa "A maneira de chorar", cujo tema é sobre o negro, o índio e o mestiço.

Assim, todo o seu trabalho passou a girar em torno da temática indígena, da opressão e da violência de que são vítimas os povos indígenas.

A obra monumental A maneira de chorar Isso foi feito graças ao apoio que a Casa de la Cultura deu a Guayasamín.

Esta série foi exposta pela primeira vez em Quito em 1952 no Museu de Arte Colonial, e no mesmo ano em Washington e Barcelona (Espanha), durante a III Bienal Hispanoamérica de Arte. Nesta última edição recebeu o Grande Prêmio de Pintura.

Presença em grandes edifícios

Além de ter exposições monumentais nos principais museus do mundo, a obra de Guayasamín também está presente em grandes construções.

Por exemplo, um mural de mosaico de vidro veneziano está no Centro Simón Bolívar em Caracas desde 1954, que é chamado Homenagem ao homem americano.

Para seu país natal, ele fez dois murais impressionantes em 1958. O primeiro é A descoberta do rio Amazonas, também confeccionada em mosaico veneziano, que se encontra no Palácio do Governo de Quito. O outro foi feito para a Faculdade de Direito da Universidade Central do Equador, que se chama História do homem e cultura.

Em 1982, um mural de mais de 120 metros foi inaugurado no aeroporto de Barajas em Madrid que Guayasamín pintou com pó de mármore e acrílicos. Esta obra monumental está dividida em duas partes: uma dedicada à Espanha e a outra à América.

Seu trabalho também está presente nas sedes da Unesco em Paris e São Paulo. Seus monumentos também adornam o Equador: Para a jovem pátria está em Guayaquil e À resistência em Quito.

Principais reconhecimentos e morte

Graças ao seu prolífico trabalho, ao seu caráter de denúncia social e ao seu significado universal, Guayasamín recebeu inúmeros prêmios e reconhecimentos por sua carreira.

Seu trabalho foi reconhecido em todo o mundo pelo fato de em 1957 ter recebido o Prêmio de Melhor Pintor da América do Sul, que lhe foi conferido pela Bienal de São Paulo, Brasil. Isso marcou a consolidação de sua internacionalização.

Em 1976, junto com seus filhos, criou a Fundação Guayasamín para doar seu patrimônio artístico ao Equador. Através desta fundação conseguiu organizar três museus: Arte Pré-colombiana, Arte Colonia e Arte Contemporânea.

Ele foi nomeado membro da Academia Real de Belas Artes de San Fernando, na Espanha, e membro honorário da Academia de Artes da Itália. Ele também foi nomeado vice-presidente e posteriormente presidente da Casa de Cultura de Quito em 1973.

Além disso, foi o primeiro artista latino-americano a receber uma condecoração do governo da França; Isso aconteceu em 1974.

Ele morreu em 10 de março de 1999 sem completar sua maior obra, A capela do homem, que foi pensada pelo artista como uma homenagem à humanidade, em particular ao povo latino-americano. É um museu de arte construído em Quito que tem como objetivo reunir a arte latino-americana do México à Patagônia.

A primeira fase do espaço arquitetônico monumental foi inaugurada em 2002. A Unesco o declarou uma “prioridade para a cultura”, para a qual recebeu inúmeras contribuições de outros Estados e de outros artistas de destaque no mundo.

Tocam

A produção de Guayasamín está marcada desde os seus primórdios por seu profundo espírito indígena, e está carregada de um alto conteúdo de denúncia social. Dessa forma, ele conseguiu ultrapassar as fronteiras dos cânones tradicionais e se tornar um dos mais ferrenhos defensores dos povos indígenas da América Latina.

Para desenvolver seu estilo pessoal, bebeu da influência dos muralistas mexicanos, principalmente de seu professor Orozco. Foi também um fervoroso expoente do expressionismo, que conferiu a toda a sua criação um traço humanista ao refletir a dor e o sofrimento sofridos por boa parte da humanidade.

Desta forma, a obra de Guayasamín insere-se nessa corrente do expressionismo em que a realidade expressiva importa mais sem lidar com a realidade externa, mas sim com as emoções que ela desperta no observador.

Por isso, este pintor afirmou que “a minha pintura é para ferir, arranhar e bater no coração das pessoas. Para mostrar o que o homem faz contra o homem ”. Isso é particularmente evidente em seus rostos desfigurados e tristes que expressam fortemente a dor de seu povo.

Nesse sentido, seu trabalho tem como foco a figura humana, com cores vibrantes e temas sociais.

Apesar de adaptar seu trabalho às experiências e técnicas que o contato com grandes artistas da época lhe deixaram, ele sempre manteve a expressão do sentimento humano em suas telas. Em toda a sua criação, podem ser diferenciadas três idades, que são as seguintes:

A maneira de chorar

A Fundação Guayasamín conseguiu recolher algumas das primeiras criações do artista, que começou a pintar e desenhar aos 7 anos. Ao ingressar na Escola de Belas Artes, aos 12 anos, cativou professores e colegas com seu virtuosismo. Nessa idade, começou a trabalhar as questões sociais que mais tarde marcaram toda a sua carreira.

O que é considerado sua primeira etapa é o que é chamado de sua primeira série: O caminho do choro.

Esta etapa ocorre entre 1945 e 1952 e se concentra principalmente na viagem que fez com seus amigos pela América do Sul, na qual parou para visitar cada cidade para apreender sua realidade.

Graças às anotações e desenhos que fez durante a viagem, ele legou ao mundo Huacayñan, ou A maneira de chorar, sua primeira série de 103 pinturas em que capta o problema dos índios, negros e mestiços por meio de arquétipos universais que aparecem em cenários com símbolos ancestrais, como a lua, o sol e as montanhas.

Com toda a sua carga simbólica universal, esta série foi aquela que lhe deu um lugar no mundo das artes.

A era da raiva

Nessa etapa que desenvolveu durante os anos 60, Guayasamín demonstrou que o conteúdo estético não é o que importa em sua obra, mas o conteúdo social, a mensagem de um homem contra a opressão, a violência e o sofrimento.

A origem dessa denúncia remonta à época em que, na juventude, um amigo de infância foi assassinado pela repressão em Quito. A partir daí o artista empreendeu a cruzada para retratar a violência do homem contra o homem para deixar uma mensagem de rebelião e luta contra a alienação.

Essa rebelião se manifesta nos olhos de suas figuras, que clamam por uma mudança. Suas figuras têm uma careta de dor apesar da serenidade que mostram, suas mãos clamam por esperança. Tudo isso se reflete em enormes golpes verticais para marcar ainda mais a dor.

Com este trabalho Guayasamín abalou o mundo ao expor toda a crueldade do homem durante o século XX. Por isso conseguiu expor nas principais cidades ocidentais do mundo, causando polêmica tanto na crítica quanto na comunidade.

De ternura

Este ciclo começou na década de oitenta como uma homenagem à mãe, figura transcendental de sua vida, a quem declarou seu amor e gratidão por sempre tê-lo apoiado.

Esta série marca uma mudança na obra da artista sem que isso signifique que as figuras, agora mais serenas do que antes, percam de alguma forma a sua mensagem de denúncia e crítica.

A idade da ternura, ou Enquanto eu viver, sempre me lembro de você, é composto por 100 obras cujo centro é uma homenagem a sua mãe; na verdade, refere-se em geral à figura materna, incluindo a Mãe Terra.

Este conjunto também é considerado um hino aos direitos humanos. É a última obra que o ocupou, de 1988 a 1999.

Por seu estilo estético peculiar, mas sobretudo por seu tema centrado em deixar uma mensagem de rebelião e denúncia da humanidade, Guayasamín conseguiu com sua arte cruzar as fronteiras de seu Equador natal e ocupar um lugar de honra nas artes universais.

Isso graças ao fato de sua criação ter uma expressividade particular do tempo que ele teve que viver, para transmitir uma mensagem que despertou a consciência da humanidade e conseguiu gerar o grito de rebelião.

Referências

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Sciorra, J. "José Sabogal e a identidade da revista Amauta" (novembro de 2013) no Repositório Institucional da UNLP. Recuperado em 10 de janeiro de 2019 do Repositório Institucional da UNLP: sedici.unlp.edu.ar