Os 15 recursos mais importantes do teatro - Ciência - 2023

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As características mais importantes do teatro eles estão intimamente relacionados aos elementos comuns a qualquer trabalho ou desempenho.O termo teatro tem sua origem na palavra grega theatron, o que significa um "lugar para procurar".

Portanto, originalmente, o teatro se referia a um lugar e a uma forma particular de percepção. Hoje em dia, o conceito de teatro pode referir-se a: um edifício, uma atividade ('ir' ou 'fazer' teatro), uma instituição e uma forma de arte.

O teatro é o ramo da arte cênica relacionado à atuação e à representação de histórias para um público ao vivo, utilizando uma combinação de discursos, gestos, cenários, músicas, sons e espetáculo que buscam estimular e entusiasmar o espectador.

A mente também desempenha um papel importante no teatro, uma vez que essa expressão artística é decifrada de acordo com a percepção e imaginação do espectador.

Todas as peças apresentam elementos comuns que caracterizam esta arte. Abaixo, você poderá ver os recursos mais proeminentes com mais detalhes.

15 elementos característicos do teatro

1- Plot

É o que acontece na obra. Refere-se à ação. A organização de eventos ou a seleção e ordem das cenas em uma peça. Segundo Aristóteles, é um conceito abstrato que se refere à disposição dos incidentes que constituem a matéria-prima e componentes da história.

O enredo é a maneira como esses incidentes são estruturados em um todo coerente. Se o arranjo do pedido original for alterado, um novo quadro será gerado. Dois tipos de trama predominam no teatro. A seguir, suas principais características e elementos diferenciadores:

Quadro de resolução

O enredo começa tarde na história, mais perto do final ou clímax.
Cobre um curto período de tempo.
Ele contém algumas cenas sólidas e expandidas.
Ocorre em um local restrito, um cômodo ou uma casa.
O número de caracteres é severamente limitado.
Poucos subtramas são levantados.
A linha de ação prossegue em uma cadeia de causa e efeito. Personagens e eventos estão intimamente ligados em uma seqüência quase inevitável de desenvolvimento lógico.

Revelar trama

O enredo começa relativamente cedo na história e passa por uma série de atos.
Abrange longos períodos de tempo.
Muitas cenas curtas e fragmentadas ou a alternância entre cenas curtas e longas.
Pode cobrir uma cidade inteira ou até mesmo vários países.
Abundância de personagens.
Freqüentemente marcado por vários fios de ação, várias histórias paralelas.
As cenas são associadas umas às outras. Um evento pode resultar de várias causas, ou nenhuma causa aparente, mas surge em uma rede de circunstâncias.

2- Tema

Enquanto o enredo se refere à ação da peça, o tema se refere ao significado da peça. Às vezes, isso é claramente indicado no título.

Outras vezes, pode ser afirmado por meio do diálogo de um personagem que atua como a voz do dramaturgo. Às vezes, o assunto é menos óbvio e surge apenas após a análise do conteúdo da obra.

3- Personagens

Eles são as pessoas, animais ou ideias representadas pelos atores na peça. Em termos estruturais, os personagens são os agentes da ação, aqueles que fornecem as motivações para que os eventos da trama ocorram.

Cada personagem deve ter sua própria personalidade, idade, aparência, crenças, histórico socioeconômico e idioma. De acordo com suas funções na obra, alguns tipos de personagens podem ser revisados:

Protagonista: O personagem principal.
Antagônico: O principal oponente do personagem principal.
Homólogos: Eles revelam alguns aspectos do personagem principal por ter circunstâncias ou comportamentos semelhantes ou diferentes.

4- Script ou texto

Este é o ponto de partida da performance teatral. É o texto pelo qual a peça é criada. Consiste em diálogos, instruções de palco, descrições de personagens e similares em uma peça. Refere-se às palavras escritas pelo dramaturgo e interpretadas pelos personagens.

5- gênero

Classe distinta do trabalho. Gênero vem de uma palavra francesa que significa "categoria" ou "tipo". A escolha do gênero reflete o ponto de vista do escritor sobre o assunto.

Os seguintes tipos de obras são geralmente apresentados no teatro: tragédia, comédia, melodrama e tragicomédia. Cada um desses gêneros pode ser subdividido por estilo e conteúdo em:

Tragédia

É a imitação de uma ação séria, complexa e relevante. A tragédia é de natureza séria em seu assunto e lida com problemas profundos. Essas questões profundas são universais e despertam compaixão e medo no público ao testemunhar a ação.

Comédia

Ela tem a visão de fazer o público rir, ela geralmente é física e enérgica. O comportamento dos personagens apresentados é ridículo e às vezes absurdo. Estimula o público a corrigir o comportamento da sociedade.

Melodrama

É o drama do desastre, circunstâncias fora do controle do protagonista causam os eventos significativos da trama. Os aspectos de culpa e responsabilidade do protagonista são removidos.

O protagonista é vítima das circunstâncias. O melodrama tem um senso de julgamento moral estrito. Todos os problemas apresentados são resolvidos de forma bem definida. Personagens bons são recompensados e personagens ruins são punidos.

Tragicomédia

É um reflexo da própria vida, contém todos os gêneros anteriores. Não pretende julgar, nem faz julgamentos absolutos. Ele se concentra nas relações de caráter e mostra a sociedade em um estado de fluxo contínuo.

6- Trajes e maquiagem

São elementos que servem para caracterizar os atores na recriação de um personagem.

Vestiário

Refere-se a roupas e acessórios usados no palco por um ator ou performer. Os antigos gregos foram os pioneiros no desenvolvimento de trajes específicos para cada personagem, essa arte serviu para reviver os tempos medievais e representar o grande marquês da corte.

Maquiagem

É o uso de cosméticos na alteração da aparência física de um ator, a fim de adaptar sua aparência a um determinado papel ou para compensar os efeitos da iluminação cênica.

A arte da maquiagem foi revolucionada com a introdução da iluminação elétrica e a gás e agora se tornou uma prática altamente técnica.

7- Iluminação e efeitos sonoros

O posicionamento, intensidade e cor das luzes, bem como os efeitos sonoros ajudam o diretor a comunicar o ambiente, o humor ou o sentimento em uma cena.

A iluminação foi reconhecida como uma característica importante da produção teatral quando as primeiras apresentações em ambientes fechados foram realizadas durante o Renascimento, envolvendo o uso de velas e líquidos inflamáveis.

Inovações cruciais na tecnologia de iluminação incluíram a introdução de lâmpadas de piso, o uso de refletores para aumentar a intensidade dos feixes de luz e o escurecimento das luzes no auditório em 1876.

O desenvolvimento da iluminação a gás no início do século 19 representou um grande avanço, apesar dos perigos envolvidos. O uso de iluminação elétrica começou no California Theatre em San Francisco em 1879.

Os sistemas de iluminação atuais em teatros modernos são controlados por painéis computadorizados altamente sofisticados, que podem coordenar a iluminação de todo um sistema. Outras inovações recentes incluíram experimentos com luz ultravioleta, lasers e holografia.

Os efeitos sonoros são os ruídos gerados para acompanhar uma cena de uma peça, que podem ser produzidos por computadores ou por atores dentro e fora do palco.

8- Diretor

Ele é o responsável por toda a unidade de produção e por coordenar os esforços dos artistas. O trabalho do diretor é fundamental para a produção de uma peça, pois é ele quem define a visão da produção para todos os envolvidos.

O diretor tem a tarefa desafiadora de reunir muitas peças complexas de uma produção: o roteiro, os atores, os figurinos, a iluminação, o som e a música em um todo unificado. Para realizar esta tarefa, um gerente precisa de:

Interprete o script.
Colabore com designers.
Planeje os ensaios.
Guie os atores em seu trabalho durante os ensaios.

O trabalho do diretor costuma ser baseado em um estudo detalhado e na análise do roteiro que está sendo editado. Muitas leituras cuidadosas do roteiro ajudam o diretor a desenvolver uma visão individual das intenções do dramaturgo. Sua percepção influenciará qualquer aspecto da produção.

Os diretores também estudam os personagens do roteiro, reunindo o máximo de informações possível sobre seus traços físicos e psicológicos, o que é vital para a seleção do elenco.

9- Audição

Grupo de pessoas que veem o trabalho. Muitos dramaturgos e atores consideram o público como o elemento mais importante do teatro, uma vez que todo o esforço despendido na escrita e produção de uma peça é para a diversão do público.

Como no teatro os intérpretes estão em presença direta com o público, um fluxo circular de energia é gerado, o ator afeta o público e vice-versa. Esse efeito é amplificado pelo fato de o teatro ser um evento comunitário.

A vivência grupal é indispensável, pois o grupo reforça as emoções vivenciadas pelo indivíduo e cria uma consciência coletiva. Quando um grupo de indivíduos responde de forma semelhante ao que está acontecendo no palco, seu relacionamento com os outros é reafirmado e fortalecido.

O grau de separação entre o elenco e o público é o que diferencia o teatro convencional do teatro participativo.

Na primeira, o público usa a imaginação para participar da peça e se distanciar da ação. Na segunda, os atores interagem com o público buscando seguir um roteiro estabelecido e improvisado, enfatizando o desenvolvimento pessoal ou terapia de grupo.

No teatro, o público é convidado a aceitar muitos tipos de mundos imaginários. Uma maneira de diferenciar esses domínios imaginários é dividi-los no que é chamado de teatro realista e irreal.

O realismo, que se tornou a forma dominante do teatro europeu no final do século 19, tenta recriar a vida tão intimamente que o público presume que deve ser vida. O não-realismo, por outro lado, tenta transcender a realidade observada e apresentar a parte da vida que existe na mente.

No entanto, é um erro presumir que essas duas abordagens são mutuamente exclusivas. A maioria das apresentações de palco contém uma mistura de elementos realistas e irrealistas.

10- Cenografia

Serve para recriar o ambiente em que se desenrola a trama, a cenografia tem os seguintes objetivos:

Defina o tom e o estilo da produção.
Defina a hora e o local.
Distinga o realismo do não-realismo.
Coordene a paisagem com outros elementos.
Lide com as limitações de espaço do palco e área fora do palco.

Todos esses objetivos são abordados em várias reuniões entre o diretor, o cenógrafo e a equipe de design. Posteriormente as ideias são refletidas em esboços, que após revisões, análises e modificações permitem traçar o cenário que melhor se adapta à história e à visão dos criativos.

Concluída essa etapa, os projetos são entregues a um diretor técnico, que realiza as obras, adequações e instalações necessárias no palco para a concretização do planejado.

11- Etapa

São os equipamentos teatrais, como cortinas, pisos, cenários ou plataformas, que são usados em uma produção dramática.

12- Acessórios

Existem diferentes categorias de adereços.Muitos dos adereços portáteis vêm do roteiro e são itens exigidos pelo diretor. O cenógrafo também costuma solicitar adereços de cenário, como os móveis que aparecem no palco, às vezes há uma linha divisória entre este tipo de adereços e a cenografia.

Adereços são quaisquer itens móveis que aparecem durante uma apresentação, exceto fantasias e palco. Eles são itens manipulados por um ou mais atores. Um livro, uma arma, uma taça de vinho, entre outros.

13- Atos

Eles representam uma divisão importante no desenvolvimento do jogo. A maioria das peças do período elisabetano ao século 19 foram divididas em cinco atos por dramaturgos ou editores posteriores.

No final do século 19, muitos escritores começaram a escrever peças de quatro atos. Hoje, um, dois e três atos são os jogos mais comuns.

14- Teatros (edifício)

É o espaço em que os atores ou o público se reúnem. É fundamental ter um espaço onde o artista, performer, se comunique com o público ao vivo.

Edifícios teatrais evoluíram dos anfiteatros ao ar livre dos gregos e romanos para a incrível variedade de formas que vemos hoje. É um espaço que favorece a troca emocional entre o elenco e o público.

15- Convenção

Uma convenção teatral é uma ferramenta prática usada pelo dramaturgo ou diretor para ajudar a contar a história da peça no teatro. A convenção teatral mais comum é a dos personagens conversando entre si e fingindo não notar o público.

Muitas vezes chamada de quarta parede ou convenção de quarta tela, simula a existência de uma divisão (invisível) entre os atores e o público.

Origens e evolução histórica do teatro

Quando exatamente o teatro começou é um mistério. Caçadores pré-históricos encenaram histórias sobre suas expedições de caça. Os antigos egípcios cantavam canções sagradas e dançavam para seus deuses em cerimônias religiosas. Mas a ideia do teatro como entretenimento dramático veio depois.

As palavras inglesas para tragédia e comédia vêm da língua dos antigos gregos. Embora os gregos não fossem os primeiros a encenar peças, eles estavam muito interessados nas origens da tragédia e da comédia.

Em seus escritos, o filósofo Aristóteles e outros escritores gregos propuseram teorias e criaram hipóteses sobre como a forma artística do teatro se desenvolveu.

Peças gregas eram encenadas em teatros ao ar livre. No início, os teatros eram em áreas abertas localizadas no centro da cidade ou próximo a encostas. O público estava pronto para ouvir e ver o coro cantar sobre as aventuras de um deus ou herói.

No final do século 6 aC. C., as estruturas teatrais tornaram-se mais elaboradas. Conforme o teatro se tornou cada vez mais popular e competitivo entre as cidades, os teatros ficaram maiores, com estruturas capazes de comportar até 15.000 pessoas por vez.

O teatro existe desde que as pessoas se reuniram para ouvir outra pessoa contar uma história. Amigos e familiares compartilhavam as responsabilidades do público e do artista, trocando papéis desde que alguém tivesse uma história para compartilhar.

O teatro moderno pode ser mais formal, com atores treinados para recriar uma história e espectadores sofisticados reagindo a uma encenação, mas a ideia de compartilhar energias entre o elenco e o público ao vivo permanece inalterada.

Referências

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